Alfred Stieglitz - Camera Work 1903 - 1917 / Equivalentes 1923 - 1935

(Resumen Nota de Juan Carlos Lopez  - Xataka)

      La fotografía no ha sido apreciada siempre como la forma de expresión que es actualmente. De hecho, durante mucho tiempo no se la consideró un arte. Pero en algún momento esa percepción cambió, y lo hizo gracias al esfuerzo y la dedicación de varios pioneros que decidieron dejarse la piel para demostrar a todo el que quisiera escucharles que su arte merecía estar a un nivel equiparable al de la pintura o la escultura.

Alfred Stieglitz (1864-1946) fue uno de esos «revolucionarios». Quizás el más influyente de todos ellos. Su vida está repleta de vaivenes, conflictos, éxitos y decepciones; pero, sin duda, es y será recordado por haber logrado que la fotografía dejase de ser un ejercicio menor y empezase a ser respetada como una auténtica forma de arte. Así era Stieglitz. Y este es su legado.

Las instantáneas que tomó durante la última década del siglo XIX y la primera del XX tenían un marcado estilo pictorialista, probablemente imbuido por la influencia de sus amigos pintores. Experimentó con la luz y las texturas, y continuó acrecentando su fama de experto no solo en fotografía, sino también en otras artes gracias a los artículos que firmaba en The American Amateur Photographer y otras publicaciones.

«Venetian Canal», de Alfred Stieglitz

Pero probablemente el hecho más relevante en el que se vio envuelto en esa época fue la creación de algo a medio camino entre una muestra y un club fotográfico, a la que llamó Photo-Secession [1], cuyo objetivo era defender una fotografía muy diferente a la que imperaba en aquel momento, y muy cercana a la idea de la fotografía como arte que tenía en mente desde hacía años. La acogida que tuvo esta iniciativa fue muy buena, lo que le animó enseguida a poner en marcha Camera Work, una nueva revista de fotografía en la que podía dar rienda suelta a la visión pictorialista que practicaba y defendía en esa época.

En aquellos años Stieglitz estaba casado con Emmeline Obermeyer, con la que contrajo matrimonio poco después de su regreso a Estados Unidos, pero a la que en realidad no quería. Su enlace había sido propiciado por las presiones familiares, por lo que unos años más tarde, en 1918, se divorció de ella e inició una relación con la pintora Georgia O’Keeffe, con la que se casó en 1924. En aquella época fue poco a poco abandonando el estilo pictorialista que marcó sus primeros años y derivó en una fotografía con un carácter más natural, lo que le llevó a practicar con cierta frecuencia el retrato, e, incluso, la fotografía de desnudos. Además de a O’Keeffe, retrató en numerosas ocasiones a Dorothy Norman, exhibiendo sus instantáneas en algunas de las galerías no comerciales más prestigiosas de la Nueva York de la época. 

Alfred Stieglitz tenía una salud frágil. Padeció una enfermedad del corazón durante la mayor parte de su vida, pero, aun así, siguió practicando la fotografía prácticamente hasta su muerte, que se abalanzó sobre él en julio de 1946, cuando tenía 82 años. Buena parte de los últimos años de su vida la pasó en su casa de veraneo junto al lago George, en Nueva York, «encerrado» en un cobertizo que había acondicionado como cuarto oscuro para poder continuar experimentando y practicando esa fotografía que él había ayudado a fijar sin discusión no solo como una potente forma de expresión, sino también como un arte. Un arte con mayúsculas.

Equivalents 1923- 1935: Nota Museo Bellas Artes

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[1] Photo-secession fue un movimiento artístico fundado por Alfred Stieglitz junto a Edward Steichen y Alvin Langdon Coburn en 1902 en Nueva York. La denominación fue elegida como homenaje al simbolismo, y la trasgresión vienesa de finales del siglo XIX.

En esta época, la fotografía era considerada, por su supuesta realización mecánica, una forma burda y fácil de reflejar la realidad más prosaica. Stieglitz, dedicado siempre a la lucha en defensa de la fotografía como arte, concibe Photo-secession como la ruptura con las normas académicas, como una visión personal del mundo, basada en la expresión propia, independiente de toda tradición visual.

Stieglitz abogaba por la imagen que irradia sentimientos, que manifiesta el espíritu del creador, apelaba a la búsqueda ‘anti-fotográfica’ (visión interior y mirada exterior):

Desde entonces comencé mi lucha, o mejor, mi esfuerzo consciente por el reconocimiento de la fotografía como un medio nuevo de expresión que fuera respetado en su propio derecho, sobre las mismas bases que cualquier otra forma de arte.

Stieglitz

Otros fotógrafos de Photo-secession fueron F. Holland Day, Frank Eugene, Gertrude Käsebier, Clarence H. White, John G. Bullock, William B. Dyer, Joseph T. Keiley y Eva Watson-Schütze entre otros.¹​ 'Camera Work' fue la revista oficial del grupo, y se publicó entre 1902 y 1917.

"The Little Galleries of Photo-Secession" en el número 291 de la 5.ª Avenida de Nueva York, fue la galería abierta y dirigida por Stieglitz en 1905, para mostrar el arte moderno en Estados Unidos: muchos artistas de la emergente vanguardia europea exhibieron allí su obra, por primera vez en Estados Unidos. Fue conocida simplemente como la "291".

El catálogo para la exhibición inicial de la Photo-Secession Gallery estaba encabezado de este modo: "Una protesta contra la concepción convencional de la fotografía pictórica".

Stieglitz apadrinó las nuevas manifestaciones fotográficas y, además, exhibió en sus galerías obras de Rodin, Matisse, Paul Cezanne, Picasso, Toulouse-Lautrec, Brancusi, Henri Rousseau, Nadelman, De Zayas, Picabia; la escultura africana como arte, y pinturas espontáneas de niños; la primera muestra unipersonal de Alfred Maurer, John Marin, Arthur Dove, Marsden Hartley y Georgia O'Keefe. Mostró los primeros trabajos de Max Weber y Abraham Makowitz, tanto como los trabajos de Georges Braque, Gordon Craig y Gino Severini. Más tarde, Charles Demut y Gaston Lachaise y ya en 1912 publicó a Gertrude Stein.